Jenseits der Worte – Gespräch über ein Bild – Interview mit der Tettauer Malerin Helga Depping im Januar 2021

„Die edle Wahrheit“
Helga Depping, Acryl auf Pressspan, 80 x 80 cm, 2020


Frage: Wir sehen auf dem Bild das Kreuz, das einerseits ein christliches Symbol ist, andererseits aber auch die ordnende Kraft der Zahl Vier betont. Der Bildtitel wiederum lehnt sich an die vier edlen Wahrheiten Siddharta Gautama Buddhas an. „Die vier edlen Wahrheiten“ lehren die Beendigung menschlichen Leidens und gelten als Fundament des Buddhismus. Liegt das Geheimnis des Loslassens vom Leiden in der Bewusstheit über die Ordnung der Dinge?
H.D.: Es gibt einen Anfang des Leidens und eine Beendigung des Leidens. Das ist in den vier edlen Wahrheiten Buddhas wunderbar gesagt. Erfahrbar ist das jenseits der Worte. Da kann ich nichts hinzufügen. Da ist auch mein stilles Malen schon zu viel.

„Was ist die Wahrheit? Was die Maler malen,
wenn sie es nicht malen.“

„Um des Leeren willen
hat der Meister das Haus erbaut.“

(Zwei japanische Gedichte, zitiert aus: Sabine Hübner,
„Unter dem Westlichen Himmel, ZEN – Leben in unserer Welt“, S. 184)

Frage: Das Bild „Die edle Wahrheit“ entstand im Corona-Jahr 2020. Im Nachhinein betrachtet ist das vielleicht kein Zufall. Leiden hat sich 2020 auf vielfältige Weise gezeigt und ereignet. Die Welt war gezwungen, umzudenken.
H.D.: Vielleicht müssen wir alle einfach nur das tun, was schon lange ansteht: uns dem Inneren zuwenden, dem wahren Selbst. Jeder auf seine Weise.

Frage: Zum Beispiel machst Du seit ein paar Jahren jeden Tag Yoga .
H.D.: Yoga ist eine gute, unterstützende Beschäftigung, um individuelles Leiden zu beenden und geistige und körperliche Gesundheit zu bewahren. Auch in Zeiten von Corona und Lockdown, das kann wirklich jeder machen – und wenn es nur wenige Minuten am Tag sind.
(Interview: Iris Ute Depping)

Die vier edlen Wahrheiten Siddharta Gautama Buddhas lauten:

1. (…) Da, o Mönche, erkennt ein Mönch der Realität entsprechend:
„Das ist das Leiden!“

2. Er erkennt der Realität entsprechend:
„Das ist die Entstehung des Leidens!“

3. Er erkennt der Realität entsprechend:
„Das ist die Aufhebung des Leidens!“

4. Er erkennt der Realität entsprechend:
„Das ist der zur Aufhebung des Leidens führende Pfad!“



(Überliefert aus der ersten Lehrrede Buddhas, zitiert nach: „Die vier edlen Wahrheiten – Texte des ursprünglichen Buddhismus“, Klaus Mylius (Hg.), Reclam, S. 140)

„Was bewegt?“ Interview mit der Tettauer Malerin Helga Depping, im Januar 2018 (by monkifrieda)

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„Bewegung/Move“ by Helga Depping, 2017, Acryl auf Pressspan, 80 x 80 cm

F: Dieses Jahr wird die Galerie am Rennsteig 7 Jahre alt. Wenn man die Bilder chronologisch bis heute studiert, fällt eine Entwicklung ins Auge: Von leuchtenden zu sanfteren Farben einerseits, anderseits auch immer minimalistischer, hin zu Formen und Linien. Welches Resümee möchtest Du für das Jahr 2017 ziehen?

H.D.: 2017 war ereignisreich. Zunächst entstand „Anwesenheit und Abwesenheit“, ein Bild, das mir viel bedeutet und das noch nicht abgeschlossen ist. Außerdem arbeitete ich an einem Triptychon in einer ersten Version. Und ich konnte – nach vier Jahren – die Anlage meines kleinen japanischen Gartens abschließen.

F: Im September hast Du dann die documenta 14 in Kassel besucht…

H.D.: Ja, da wurde es noch einmal sehr aufregend. Es war das erste Mal, dass ich dort war. Die besondere Atmosphäre, die Offenheit, die Vielfalt der Themen waren überall spürbar. Auch das „Parthenon of Books“ von Marha Minujín, diese riesige Skulptur mit den verbotenen Büchern, beeindruckte mich vor Ort sehr.

F: Gab es wichtige Begegnungen?

H.D.: Ja, eine gänzlich unerwartete (lacht). Als ich dachte, ich hätte alles gesehen und erlebt, am letzten Tag vor meiner Abreise, stieß ich in einem der Bücher-Container auf einen Bildband über die Malerin Agnes Martin. Ich hatte zuvor schon einige Werke dieser Künstlerin wahrgenommen, wusste aber nicht viel über sie. Von meinem allerletzten Reise-Bargeld kaufte ich also dieses Buch. Die „Begegnung“ mit Agnes Martin in Form eines Buches wurde das eigentliche Highlight meiner Reise, so etwas wie der tiefere Sinn.

F: Die kanadisch-US-amerikanische Künstlerin Agnes Martin (1912-2004) wird dem abstrakten Expressionismus, dem Minimalismus zugeordnet. Ich sehe viele Quadrate in ihrem Werk. Quadrate gab es auch immer schon in Deinen Bildern…

H.D.: Ja, Agnes Martin hat eine tiefe Verbindung zur Form des Quadrats. Das Quadrat ist für sie mystisch, ebenso wie für mich.

F: Was ist das Mystische am Quadrat?

H.D.: Seine Teilbarkeit, vor allem seine Teilbarkeit, würde ich sagen. Das Quadrat ist eine Form von einzigartiger Harmonie.

F: Auf der anderen Seite ist ein Quadrat ja auch sehr formgebend und dominant.

H.D.: Ja, doch es lässt sich teilen. Es scheint dazu einzuladen, es immer weiter zu teilen, bis in die Unsichtbarkeit hinein. Die Wissenschaft ist voll von diesen Teilungsversuchen und scheint es auch nicht müde zu werden.

F: Hier möchte ich auf das Bild „Bewegung“ zu sprechen kommen. Die Quadrate auf dieser Ikone sehen aus, als würden sie sich kaum länger halten können im Verbund der großen Form….

H.D.: Man könnte hier auch fragen: „Was bewegt?“…

F: Wenn ich das Bild betrachte, ist die Antwort da.

H.D.: Ja, die Antwort kommt aus der Stille des Erlebens. Die Antwort wird gewusst.

F: Das Bild hat zarte Farben. Hier sehe ich eine neue Entwicklung gegenüber früheren Werken, die doch sehr farbenfroh und manchmal fast poppig waren.

H.D.: Ja, meine Farbwahl ist zurückhaltender geworden. Ich erkenne in sanften Farben eine wohltuende Kraft, eine Botschaft der Stille. Die Bilder richten sich an die Stille in uns. Sanfte Farben können dies gut unterstützen.

F: Die Stille endet nicht, wenn es einen Ton gibt. Das Bild „Ton“ wirkt wie ein Schlüsselbild. Es wirkt noch minimalistischer als die bisherigen Ikonen.

H.D.: Ich wollte immer Ton malen. Ich fragte mich so oft: Wie kann ich Ton malen? Mit den bisherigen Mitteln schien das nicht möglich. Ich musste noch „einfacher“ werden.

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„Ton/Sound“ by Helga Depping, 2017, Acryl auf Pressspan, 80 x 80 cm

F: Die Darstellungsweise erinnert mich entfernt daran, wie Klänge und Schall in der Tontechnik dargestellt werden. Als Wellen in einem Diagramm. Hier handelt es sich aber nicht um ein wirkliches Diagramm. Eher um ein inneres Bild davon…

H.D.: Jetzt hast Du das Bild gemacht.

F: Inwiefern habe ich das Bild gemacht?

H.D.: Agnes Martin beschrieb das einmal sehr treffend: „Maler können dem Betrachter nichts geben. Die Leute bekommen von dem Bild was sie brauchen. Wenn du Eingebung erfährst und Eingebung darstellst, so macht der Betrachter das Bild.“ Genauso ist es.

F: „Ton“ ist ein Bildtitel, der leicht zu verstehen ist. Es gibt andere Titel, die von Besuchern als unverständlich und nicht hilfreich empfunden wurden. Braucht es eine Vorbildung in spirituellen Begrifflichkeiten?

H.D.: Nein, das braucht es glücklicher Weise nicht. Die Bildtitel sind dazu da, eine Anregung zu geben. Manchmal sind sie auch ein Hinweis auf die Entstehungsgeschichte. Das Entscheidende kann dem Betrachter nicht genommen werden: sein eigenes Erleben, seine eigene Stille. Das, was ihn bewegt, wenn er das Bild betrachtet.

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Interview mit der Tettauer Malerin Helga Depping, im Dezember 2015 (by monkifrieda)

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F.: „In der Wüste“ scheint stilistisch sehr verschieden von den anderen neuen Bildern zu sein, jedenfalls auf den ersten Blick…

"In der Wüste"
„In der Wüste“ by Helga Depping, Acryl auf Pressspan, 2015, 80 x 80 cm

H.D.: Die Malweise mag anders sein. Das Erleben ist gleich. Sehen was ist.

F.: Es gibt ja die Geschichte von Jesus in der Wüste. Ein letzter Rückzug vor der Erleuchtung, eine schwere Prüfung… Jeder, der in diese Wüste geht, ist anders. Er geht mit seinem inneren Müll dorthin oder auch mit viel Wissen. Manchmal ist es auch eine Flucht. Wie entstand dieses sehr helle, fast weiß wirkende Bild?

H.D.: Das Weiß hat mich herausgefordert. Weiß ringt immer um Klarheit, gedanklich, geistig, emotional. Doch es gibt auch die Begrenzung durch Beschaffenheit, durch den Ist-Zustand eines Bewusstseins.

F.: Im Wüstenlicht sieht dieses abgemagerte „Hundewesen“ besonders bedürftig aus…

H.D.: Ja… Manche sagen, es sieht aus, als hätte es ein Kind gemalt. Ich glaube, ein Kind würde anders malen. Das hier ist gnadenloser (lacht).

F.: Apropos Gnade. Da möchte ich auf ein anderes Bild zu sprechen kommen: „Joh. 3: 7-8“. Dieses Bild, das ja auch eine Ikone ist, berührt nicht zuletzt auch das Mysterium der Gnade, die jedem zuteil wird, der offen dafür ist.

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„Joh. 3: 7-8“ by Helga Depping, Acryl mit Blattgold auf Pressspan, 2015, 80 x 80 cm

Ihr müsst von Neuem geboren werden. Der Geist (Wind) weht, wo er will, und du hörst seine Stimme, aber du nimmst nicht wahr, woher er kommt und wohin er geht; so ist jeder, der aus dem Geist geboren worden ist.“ Joh.3: 7-8

You must be born again. The wind blows where it wishes, and you hear its sound, but you do not know where it comes from or where it goes. So it is with everyone who is born of the Spirit.“ John 3: 7-8

F.: Das Bild enthält – wie neuerdings öfter – die Farbe Gold, wie es auch in der traditionellen Ikonenmalerei üblich ist. 

H.D.: Ja. Gold übertrifft durch seine Andersartigkeit alle anderen Farben, aber in gleichem Maße wertet es die Farben auch auf und beeinflusst diese. In der traditionellen Ikonenmalerei wird Gold benutzt, weil es sehr stark mit dem Göttlichen assoziiert wird. Traditionelle Ikonen bleiben jedoch im Gegenständlichen, während sich bei mir Vieles ins Abstrakte hinein entwickelt. Ich möchte immer noch mehr auf den Grund streben. Ich frage mich dann: Wie kann ich noch radikaler sein? Radikal im Sinne von „an die Wurzel“.

F.: Wenn „Gott“ gemalt wird, enden wir dann in der Abstraktion?

H.D.: Vielleicht… und darüber hinaus. Da offenbart sich der spirituelle Aspekt der Bauhauskunst, die mich – neben Paul Klee – schon immer sehr beeinflusst hat. Farbe herrscht vor, Perspektive tritt zurück. Und wir haben diese magische Teilbarkeit in Quadranten, Linien, Segmente…

F.: Ist Bauhaus spirituell?

H.D.: Das wurde meines Wissens nie so laut gesagt. Als Bauhauskunst aufkam, glaubte man, etwas gefunden zu haben, das unendlich ausbaufähig ist. Doch dann stieß man irgendwann doch an Grenzen. Wenn man an Grenzen stößt und diese nicht überwinden kann, gibt es dafür immer einen offensichtlichen und doch vielfach übersehenen Grund: die Ablehnung und Verneinung des Spirituellen. Wenn das Mystische keinen Platz hat in der Kunst, stirbt diese Kunst. Sie kann nicht leben. Deshalb ist Kunst auch nicht ohne Demut möglich. Ein Künstler braucht Demut.

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